Clifford RAINEY
Né en / Born in 1948 – Royaume-Uni –
Ulster Museum, Belfast, Northern Ireland.
Victoria and Albert Museum, London, United Kingdom.
Arts Council of Northern Ireland, Belfast, Northern Ireland.
Municipal Gallery, Dublin, Ireland.
Queens University, Belfast, Northern Ireland.
An Chomhairle, Arts Council, Dublin, Ireland.
Museum of Modern Art, Dublin, Ireland.
Musée de design et d’arts appliqués contemporains, Lausanne, Switzerland
Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan.
Fred Jones Jr. Museum of Art, Oklahoma.
Institut du Verre, Haute Normandie, France.
Toledo Museum of Art, Toledo, Ohio.
Galerie Internationale du Verre, Serge Lechaczynski, Biot, France.
PUBLIC COMMISSIONS
1984 Jeddah, Saudi Arabia, » The Present is the Doorway Trough Which the Future Becomes the Past « . Granite, steel, glass, landscaping.
1984 Queen’s University, Belfast, Northern Ireland, » Around This Date I Have Drawn a Circle « . Granite, cast iron.
1984 Jeddah, Saudi Arabia, » Sierra Centre Ruin « . Granite, water, landscaping.
1984 Lime Street Station, Liverpool, United Kingdom. Engraved glass wall.
1987 Technician Instrument Corporation, Dublin, Ireland, » Name Stone « . Wood, glass, oil paint.
1988 Rex House. St James, London, United Kingdom. Etched glass facade.
1989 Trade Indemnity House, London, United Kingdom. Five etched windows.
1998 Commissioned by the San Francisco Art Commission, » Water Table » 911 Communications Center.
Les oeuvres de Clifford RAINEY
L'idée originelle de ce travail découle de la demande de Serge de concevoir une sculpture sur le thème Polychromie, un mot qui dérive du grec " polychromos " (multicolore). Mon intérêt personnel pour la polychromie commence avec l'architecture et la sculpture grecques classiques, notamment celles découvertes au Parthénon, sur la colline de l'Acropole d'Athènes. J'ai toujours eu une passion pour la beauté classique exprimée par la proportion, la forme et le rôle des bronzes patinés et des austères colonnes doriques en marbre blanc.
N'ayant jamais embrassé l'esthétique du postmodernisme, j'ai été choqué de découvrir les couleurs vives utilisées pour la décoration de ces mêmes éléments architecturaux et sculpturaux.
Une fois suscité mon intérêt pour la polychromie, j'ai tourné mon attention vers le naturalisme et l'hyperréalisme dans la sculpture espagnole du XVIIe siècle, dérivée de la tradition du bois polychrome qui démarre au Moyen-Age dans l'ensemble de l'Europe. Puis, j'ai étendu mes recherches en polychromie aux XVIIIe et XIXe siècles - jusqu'à Degas et sa Petite Danseuse - et enfin, au présent, avec des sculpteurs comme Ron Mueck.
Un jour, j'ai lu cette citation intéressante :
"Ceux qui peuvent dégrossir un bloc de bois ne pourront pas tous sculpter une forme ; ceux qui peuvent la sculpter ne sauront pas tous préciser ses contours et la polir ; celui qui sait la polir ne sera pas capable de la peindre..."Saint-Jean de la Croix 1542-1591
Pour revenir à ma confession :
J'étais encore en train de couler les divers éléments de ma sculpture en verre polychrome à la date limite pour l'exposition, que j'ai manquée.
Alors, sautons vers 2012 et son expo Mixed Media. Terminé les recherches, il faut produire. Bien que je sois toujours absorbé par le concept de la polychromie, l'œuvre de cette année s'est métamorphosée en Mixed Media, intégrant verre, acier, feuilles d'or, gesso, peintures émail et à l'huile, caoutchouc noir, chaîne en métal, bois, et un poids en fer que j'ai ramassé.
La sculpture polychrome espagnole du dix-septième siècle se voulait aussi réaliste que possible. Les artistes s’étaient spécialisés dans les techniques polychromes espagnoles particulières, telles que l’estofado (peinture et grattage pour créer l’effet de riches étoffes de soie aux motifs en relief) et les encarnaciones (mélanges et applications de peinture à huile pour les lèvres, les cheveux et les différentes teintes de peau). La production des sculptures religieuses en Espagne a été strictement régie par des guildes : la guilde des menuisiers (carpinteros), des sculpteurs (escultores) et celle des peintres, pour les artistes utilisant la polychromie dans ces pièces. Pour Nude, j’ai utilisé comme point de départ la sculpture figurative iconique «Saint Jean de la Croix», de Francisco Antonio Ruiz Gijón (1675), conservée à présent à la National Gallery d’Art, Washington DC.
Au début des années 90, je jouais avec les différents homophones dans la formulation d´un titre, comme dans Waist-Waste [taille-déchets]. La forme positive de la section du tour de taille d’un humain est recouverte par la surface négative du moule perdu qui a servi à la mouler.
Les deux pièces présentées dans cette exposition sont nées de la forme de la mailloche, outil employé par le souffleur de verre pour stopper le verre fondu aux toutes premières étapes de soufflage d’une bulle.
Dans Vertical Block Mould, la colonne ou la forme moulée contient la forme creuse, ou négative, d´une mailloche. A côté de la colonne en deux parties, repose en positif la forme identique à celle qui a été retirée du moule. L´extrémité du manche est légèrement courbée, suggérant son extrusion physique
La verticale agit également en tant que métaphore pour les concepts ou les idées de certains, l´horizontale pour le processus de la fabrication.
Au début des années 90, je jouais avec les différents homophones dans la formulation d´un titre, comme dans Waist-Waste. La forme positive de la section du tour de taille d’un humain est recouverte par la surface négative du moule perdu qui a servi à la mouler.
Les deux pièces présentées dans cette exposition sont nées de la forme de la mailloche, outil employé par le souffleur de verre pour stopper le verre fondu aux toutes premières étapes de soufflage d’une bulle.
Dans Horizontal Block Mould, la forme positive de la mailloche et le moule ne font encore qu’un, à ce stade là.
La verticale agit également en tant que métaphore pour les concepts ou les idées de certains, l´horizontale pour le processus de la fabrication.
Le fait d’éclairer.
Croyance philosophique dans le pouvoir du raisonnement humain sur les innovations des doctrines politiques, religieuses et éducatives.
Apporter la lumière, intellectuelle ou spirituelle, afin de transmettre la connaissance.
La bouteille de Coke dans « Split Icon » est un objet de culture matérielle recontextualisé dans le royaume de l´art : elle est un objet solitaire et unique, moulée à une échelle supérieure à celle de ses homologues réels, soigneusement sculptée et embellie à la main, puis déconstruite physiquement et conceptuellement.
La déconstruction physique des courbes voluptueuses de la bouteille de Coke « jupe entravée » attire l´attention sur ses caractéristiques anthropomorphes et son potentiel en tant que métaphore moderne de la forme humaine. La ressemblance visuelle avec une colonne classique, cassée en morceaux et avec une armature en tiges de fer rouillées, suggère non seulement que la bouteille de Coke est « classique », mais qu´elle partage des analogies anatomiques avec le galbe ou la courbure anthropomorphe des colonnes gréco-romaines antiques.
Le contexte central de la série « Global Icon » est la suggestion que la bouteille de Coke, le symbole le plus évident de l´influence globale envahissante de la culture et des valeurs américaines, représente un nouveau phénomène – le colonialisme commercial.
Le rapport complexe et réciproque constituant le discours culturel contemporain - dans une ère où les gens, les objets, et les idées dépassent les frontières traditionnelles - illustre la difficulté de fixer l´identité et la signification des objets qui sont continuellement assimilés et redéfinis selon de nouveaux contextes.
« Split Icon » et « Broken Icon » reproduisent partiellement l´aspect du modèle de la bouteille de Coke, mais, tordue et déconstruite en translation, cela déstabilise l´utilisation conventionnelle. Transformé en objet rituel façonné comme l´Aphrodite Callipyge hellénistique ou la Venus de Milo, cet hybride culturel sert de figure médiatrice à un nouveau contexte, global et interculturel.
La superposition de l´image de culte et, peut-être, la statue la plus célèbre au monde, la Venus de Milo, fournit une référence historique qui illustre graphiquement la nécessité humaine intemporelle de créer des images et des objets qui expriment et négocient notre rapport avec le monde.
Nous existons pour connaître les souvenirs de l’avenir.